Programa 45 y 46 - Jazz I y II

JAZZ I

Wynton Marsalis + TAKE THE “A” TRAIN – DUKE ELLINGTON – 10:08

Es música nacida entre tener y no tener.

Entre felicidad y tristeza,

Pueblo y ciudad.

Entre negros y blancos

Y hombres y mujeres.

Entre la vieja África y la vieja Europa, pero en un mundo totalmente nuevo.

Es un arte improvisado que se hace sobre la marcha, como el país que le dio la vida.

Siempre cambiante, pero siempre aferrado al blues.

Con una rica tradición, pero diferente cada noche.

Trata de ganarse la vida y al mismo tiempo, de arriesgarlo todo.

De ser sencillo y de vestir de punta en blanco.

El trompetista Wynton Marsalis (que hemos escuchado antes) dice: “El jazz celebra la vida, en todo su significado: su absurdo, su ignorancia, su grandeza, su inteligencia, su sexualidad, su profundidad… trata de la vida, es como la vida misma: a menudo hay que improvisar, pero siempre es mejor si viene acompañada de un buen swing.”

ORIGENES

Geográficamente, el jazz surge en el estado de Luisiana, concretamente en la zona de Nueva Orleans (cuna del estilo musical y principal centro jazzístico durante la primera época del jazz), adonde llegaban grandes remesas de esclavos de color, fundamentalmente de la zona occidental de África, al sur del Sáhara, la zona denominada Costa de Marfil, "Costa del Oro" o "Costa de los esclavos".

Antes de todo eso estaba el blues, entendido este no como un estilo del jazz. Es más que eso. El blues es el origen de todo. Es la columna vertebral del jazz. Sus orígenes son inciertos y lejanos, aunque es indudable que se trata de una genuina creación afroamericana. En sus formas arcaicas, aparece ya antes de la Guerra Civil Americana. Era el blues rural cantado en los campos de algodón, en las prisiones y en los caminos por bluesman desconocidos, anónimos y sin ningún atisbo de profesionalidad. Alguien dijo algún día, que el blues, no era más que un hombre dolido pensando en la mujer con la que estuvo alguna vez. El sonido del alma chirriando cuando es acosada por el dolor; un lamento en forma de canción. El jazz y el blues están íntimamente ligados el uno al otro.

Uno de los elementos genealógicos más decisivos junto al blues, que no ha dejado de estar presente a lo largo del jazz, fue el ragtime. Los rags, aunque se tocaban sobre toda clase de instrumentos, fueron esencialmente una especialidad de pianistas. Su apogeo se sitúa entre finales del siglo XIX y las dos primeras décadas del XX. Los rags era una música de procedencia europea con un estrecho parentesco con los bailes y marchas entonces en boga. En una época en la que aun no se había expandido el fonógrafo, los rollos de pianola sirvieron para difundirlo.

En realidad el ragtime no puede ser considerado como jazz. Los rags estaban totalmente escritos y excluían la improvisación, pero constituyeron un punto de partida clave para la aparición de los primeros estilos pianísticos de jazz. Los pianistas criollos y negros de aquella zona, cuyo eje geográfico era New Orleáns como consecuencia del cruce de culturas (española, francesa, anglosajona y africana) desarrollaron sus acentuaciones rítmicas y la independencia entre ambas manos sobre el teclado sirvió para comenzar a introducir variaciones. La incorporación de la tradición del blues y el hecho de tener que tocar para el baile favorecieron paulatinamente el desarrollo del jazz.

Scott Joplin (1868-1917) fue uno de las figuras pioneras de la música afroamericana. De Scott Joplin se conoce que sus primeros pasos musicalmente hablando, fueron en la ciudad de St. Louis cuando alternaba el piano en algunos clubes y tugurios de carretera entre 1885 y 1893. La mayoría de sus obras, escritas para pianolas, han desaparecido, pero las que se conservan detallan con rigor la tradición musical afroamericana. Scott Joplin, ingresó en un hospital de New York a consecuencia de la depresión que sufrió por el fracaso artístico y económico que representó su opera "Treemonisha". Allí contrajo la sífilis y murió en 1917. Nunca supo la influencia que ejerció sobre la música del siglo XX. Una de sus obras mas conocidas y populares lo constituyó el Rag titulado: "The Entertainer" utilizado varias veces en el cine y que fue la banda sonora de la película dirigida en 1974 por el cineasta, George Roy Hill y titulada "The Sting" (El Golpe). 

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PISTA 02 -SCOTT JOPLIN - MAPLE LEAF RAG – 3:11

PISTA 03 – Original Dixieland Jazz Band – Tiger Rag – 3:09

PISTA 04 – Jelly Roll Morton - King Porter Stomp – 2:51

En muchas áreas del Sur de Estados Unidos, el batir de tambores estaba específicamente prohibido por la ley, de forma que los esclavos negros tuvieron que recurrir a la percusión mediante las palmas de las manos y el batir de los pies para disfrutar de sus fiestas y su música característica. Sin embargo, la prohibición no tuvo vigor en la llamada Place Congo (Congo Square) de Nueva Orleans, en la que hasta la Guerra de Secesión los esclavos tenían libertad para reunirse, cantar y acompañarse de verdaderos instrumentos de percusión tales como calabazas resecas y rellenas de piedrecitas, el birimbao, las quijadas, el piano de dedo pulgar o sanza, y el banjo de cuatro cuerdas.

Musicalmente, el jazz nace de la combinación de tres tradiciones: la autóctona estadounidense, la africana y la europea. Estas primeras manifestaciones musicales afroamericanas eran una mezcla de ritmos e instrumentos asociadas a la vida de los esclavos, por lo tanto interpretadas como canciones de trabajo y de diversión colectiva. La improvisación es ya, en estos primeros momentos, un componente esencial de estas músicas, que las contrapone a la música compuesta de los blancos.

La finalización de la guerra que enfrentó el norte con el sur, produjo un gran excedente de instrumentos musicales, ya que en aquel entonces había un gran número de bandas militares, lo que permitió que el precio de estos bajase tanto que gran cantidad de instrumentos musicales pudieron llegar a las manos de los esclavos recién liberados, muchos de los cuales tomaron la música como forma de vida.

Con estos nuevos instrumentos y reuniendo todas las influencias musicales, se formaron las 'marching bands' y las bandas de música bailable de la época, que, a finales del XIX, suponían el formato habitual en lo que a conciertos de música popular se refiere. Los instrumentos de este tipo de grupos se convirtieron así en los instrumentos básicos del jazz: la corneta, el trombón, el clarinete, y la batería.

Desde el principio de los tiempos se viene discutiendo el significado de la palabra "jazz" La aparición del nombre “Jazz” están relacionadas con el primer grupo de jazz blanco que tuvo la oportunidad de grabar un disco; La Original Dixieland Jazz Band. La tradición oral cuenta que durante la actuación de la Johnny Stein´s Band, embrión de lo que luego fue la ODJB, en el Schiller´s Café de Chicago en 1916, un asistente gritó, en un avanzado estado de embriaguez, “Jass it up, boys!”.

Hasta ese momento “jass” sin las dos zetas, era un vocablo utilizado en los bajos fondos de Chicago por los negros sureños para referirse al placer carnal en los burdeles de la zona, ya que las lumis del lugar se caracterizaban por usar un perfume con un fuerte olor a jazmín, y hasta ese momento nadie lo había utilizado con referencia a la música. Las lenguas antiguas cuentan que este personaje fue contratado para que todas las noches gritara “jass it up, boys” en algún momento de la actuación y ese grito se popularizó de tal forma que la banda fue denominada Stein´s Dixie Jass Band, transformándose posteriormente en la Original Dixieland Jass Band cuando sus componentes se trasladaron a New York.

Las dos zetas aparecieron más tarde, probablemente por evitar la malsonante interpretación del término "jass", relacionado como decíamos anteriormente, con el negocio sexual en burdeles y prostíbulos de la época. Primera canción de Jazz grabada en un disco:

PISTA 05 – ODJB - LIVERY STABLE BLUES – 3:07

PISTA 06 – Louis Armstrong – Skokiaan – 4:59

PISTA 07 – Count Basie - Flight of the Foo Birds – 3:23

¿Qué es el swing? ¿Qué significa esa palabra que ha hecho correr ríos de tinta desde que a principios del siglo XX, unos negros comenzaran a bailar y tocar esa música? El swing -literalmente, balanceo o meneo- es al Jazz, lo que el "duende" al cante flamenco. 

Nadie sabe explicar con certeza de que se trata, pero si el swing no aparece, la música - como proclamaba a los cuatro vientos, el maestro Edward Duke Ellington, con su "It Don't Mean A Thing", no merece la pena. Técnica y físicamente, el swing corresponde al balanceo de un tiempo a otro del compás que genera una sensación dual de tensión-relajación que se produce alternativamente a cada golpe de ritmo.

Por situarlo en el tiempo, el swing nace en 1924 cuando un joven cornetista de New Orleáns, llamado Louis Armstrong, se incorpora a la banda de Fletcher Henderson. Sin embargo fue el clarinetista Benny Goodman quien se llevó los laureles cuando en 1938, tras su histórico y memorable concierto en el Carnegie Hall de New York fue aclamado por publico y medios de comunicación como "El rey del Swing", y paradojas de la vida, tocando las composiciones que Fletcher Henderson creó con anterioridad en su banda.

Por otra parte, la palabra "swing" fue desprovista de su autentico significado cuando a mediados de los años treinta, fue utilizada por los medios de comunicación para designar de forma genérica, con propósitos promociónales y publicitarios, al estilo de jazz imperante en esa época dorada de las grandes orquestas. El swing murió oficialmente en 1945, coincidiendo con la depresión económica de la II Guerra Mundial. Ya no había dinero para sostener a los músicos que componían las grandes orquestas, y sólo en un par de meses, se disolvieron más de cincuenta big bands. 

Louis Armstrong, nació el 4 de julio de 1900 en New Orleáns (Louisiana) en el seno de una familia muy pobre y en uno de los barrios marginales de aquélla ciudad. Sin antecedentes musicales en su familia, su interés por este arte se germina oyendo tocar en su ciudad natal las célebres bandas neorleanesas que desfilan habitualmente por las avenidas de la ciudad. Su primer contacto con la música tuvo lugar en un reformatorio para niños abandonados cuando es admitido por buena conducta en la banda del reformatorio. Allí aconsejado por el director musical de la misma, Peter Davis, opta por la trompeta entre otros instrumentos.

Cuando en 1914 sale del reformatorio, empieza a trabajar en los cabarets de Storyville, donde estaban concentrados todos los locales nocturnos de la ciudad, y allí conoce al cornetista, King Oliver. En 1922, llega su gran oportunidad: King Oliver lo llama para que se incorpore a su "Creole Jazz Band" en Chicago. Allí comienza su apoteósica carrera. Graba sus primeros discos y su fama llega a oídos del mismísimo, Fletcher Henderson, el mejor director de orquesta negro del momento, quien le ofrece un contrato para que se una a su banda. En sólo un año, revoluciona el estilo y la forma de tocar de sus compañeros y graba con las mejores cantantes de blues de la época, entre otras con la gran, Bessie Smith.

Deja la banda de Fletcher, y entre 1925 y 1928, inicia uno de los capítulos mas trascendentales de la historia del jazz. Forma sus dos propios grupos, primero los "Hot Five" y luego los "Hot Seven" y las grabaciones de aquellos años constituyen la semilla germinal de todo el jazz que hoy conocemos. Son diecisiete años al frente de grandes formaciones. Viaja a Europa por primera vez en 1932, vuelve en 1934 consiguiendo un espectacular éxito en Paris. Hollywood lo reclama y aparece en numerosas películas de desigual calidad. A mediados de los años cuarenta, forma su celebérrimo grupo: "All Stars" Con ellos, Louis Armstrong se presenta el 13 de agosto de 1947 en el club: "Billy Berg's" de Los Ángeles y esa nueva etapa, se prolongaría hasta el final de su vida. Grabó innumerables discos, ofreció magníficos conciertos, sus músicos se renovaban sin que la calidad del grupo se resquebrajara, y el mundo entero escuchó a Louis Armstrong llevar su sempiterna sonrisa por los cinco continentes hasta que dos días después de celebrar su 71 cumpleaños, el corazón le dejó de funcionar. Falleció en su casa de Corona (New York) el 6 de julio de 1971.  

PISTA 08 - LOUIS ARMSTRONG & DUKE -  IT DON'T MEAN A THING – 3:57
PISTA 09 - Duke Ellington – Diminuendo and Crescendo in Blue – 5:58
PISTA 10 – Cab Calloway – Reefer man – 2:59

Edward Kennedy "Duke" Ellington, nació en el seno de una familia que nunca pasó necesidades económicas ya que su padre era mayordomo de una casa de gente adinerada y su madre procedía de una familia negra acomodada. Recibió además de una excelente educación burguesa un porte de elegancia aristocrática que llevaría durante toda su vida, de ahí el apodo de "Duke" (Duque) que le pusieron sus amigos. Su educación musical empezó con el piano de su madre. En 1919 abandona los estudios de diseño y decoración, decide casarse con una amiga de la infancia y busca en la música su profesión.

Es en 1921 cuando Duke Ellington, forma su primer y propio grupo con músicos locales al que llamaría "The Duke's Serenaders" primero y luego los famosos "The Washingtonians". En 1923, deciden dar el salto a New York y la experiencia no es muy positiva. Tras algunas idas y venidas de Washington a la Gran Manzana, consiguen un contrato en el club "Hollywood" donde perfecciona el sonido "wa-wa" que producen entre el trompetista y el trombonista. Ese particular sonido sería decisivo en la elaboración del discurso musical de Duke Ellington.

En 1924, con los conocimientos musicales muy perfeccionados, la WHN, una emisora de radio local transmite el show desde el Hollywood club que ahora ha cambiado de nombre y se llama "Kentucky Club". la banda comienza a ser conocida y empiezan a salirle contratos en otras ciudades cercanas a New York. Entre 1924 y 1926 se incorporan a la banda músicos decisivos en la orquesta de Ellington. Esta es la orquesta que en 1927, con una sólida formación, bien rodada y con sonido propio, daría el gran salto a la fama cuando fueron contratados para tocar en el "Cotton Club" de Harlem, un local regentado por el gangster, Owney Madden, desde 1923 y que se había puesto de moda en New York hasta el punto que era frecuentado por publico exclusivamente blanco, gente de dinero y de la alta sociedad neoyorquina. Allí estuvo cuatro años y cuando salió en 1931, estaba recubierto de gloria.

Entre 1927 y 1945, después de crear para el jazz el "jungle style" Duke Ellington y su orquesta alcanzan en este periodo la cumbre de su madurez artística y creativa. La orquesta de Duke Ellington en los años cuarenta era sin duda la que poseía los mejores solistas y los instrumentistas mas virtuosos de la época y la revista Down Beat le situó en varias ocasiones por referendo popular por encima incluso de la de Benny Goodman. Tras el declive de las bigbands, Ellington, fue el único líder de orquesta que nunca disolvió la suya. A falta de contratos pagaba a sus músicos con los dineros ingresados por sus derechos de autor y utilizaba su orquesta para componer con ella y oír su música. Pero algunos de sus solistas se marcharon entre finales de la década de los cuarenta y principios de los cincuenta para iniciar sus carreras en solitario.

En 1955 entran en nomina una serie de músicos que darían todavía mucho juego al sonido Ellington. Entre las incorporaciones más sonadas, están los saxofonistas, Paul Gonsalves y Jimmy Hamilton, el clarinetista. Ellington es invitado a actuar en el Festival de Jazz de Newport de 1956. Lo que pasó aquella noche está escrito en los anales del jazz. Duke Ellington, sacó de su chistera creativa dos temas compuestos en 1937, "Diminuendo in Blue" y "Crescendo in blue" y decidió encima del escenario servirlos unidos, separándolos simplemente con un interludio a cargo de Gonsalves. Y ahí se produjo el milagro. Los arrolladores veintisiete "chorus" seguidos de jazz puro y duro que improvisó el saxofonista, empujado por una rítmica ejemplar le dieron la vuelta a la historia. Las sillas volaban por encima de las cabezas de los atónitos y rugientes espectadores y a la mañana siguiente toda la prensa anunciaba en grandes titulares "Ellington ha vuelto".

A partir de ahí comenzaron las giras, los conciertos por todo el mundo, los discos grabados y en los últimos diez años de su vida se dedico a componer suites y conciertos sacros y su vida se apagó cuando el 24 de mayo de 1974 un cáncer terminó con su vida. Ellington ocupa para siempre, el trono de los más grandes creadores del jazz junto a Louis Armstrong y Charlie Parker, y es sin duda alguna uno de los más grandes compositores del Siglo XX cualquiera que sea la música que se considere y su legado es una herencia cultural que permanecerá siempre entre nosotros.

PISTA 11 - DUKE ELLINGTON – CARAVAN – 2:41
PISTA 12 – Benny Goodman - Sing, sing, Sing – 7:22

Benny Goodman - su nombre completo era Benjamín David Goodman - nació en Chicago el 30 de mayo de 1909 en el seno de una numerosa y humilde familia judía de origen polaco. Benny era el noveno de doce hermanos. Empieza a estudiar música en la sinagoga, formando parte de su orquesta juvenil. En aquella época visita Chicago algunos músicos provenientes de New Orleáns, y cuando les escucha, Benny Goodman adopta el jazz como su música para siempre. Con catorce años obtiene el carné del sindicato de músicos.


En 1925, logra entrar por fin en una gran orquesta: la del batería, Ben Pollack. Allí estaría durante cuatro años que le sirvieron para coger experiencia sobre el funcionamiento de una bigband. Hasta 1934 no logra formar su primera propia orquesta. Lo contrata la emisora de radio NBC, lo llama para dar un programa semanal emitido a todo el país titulado: "Let's Dance". Pronto se convertirá en el director de orquesta preferido por la clase media americana, loca por bailar en los años treinta. Está comenzando la "Era del swing" y Goodman, está muy bien colocado.

Conoce al productor y brillante cazatalentos, John Hammond y comparte con él la actitud antirracista de este personaje miembro de una de las familias más ricas de los Estados Unidos. Comienza a integrar en su banda  a famosos solistas negros, como el maravilloso pianista, Teddy Wilson, o el vibrafonista, Lionel Hampton, con quienes compartirá su célebre cuarteto completado con el explosivo, Gene Krupa a la batería. Goodman, fue un valiente pionero en la idea de imponer a los empresarios de los clubes y locales que sus músicos tocaban con él, con independencia del color de su piel. 

En 1937 participa en Los Ángeles en la película musical: "The Big Broadcast" y su carrera va imparable hacía el acontecimiento que le proclamaría para siempre: "El rey del swing", el concierto de enero de 1938 en el Carnegie Hall.

Ya en 1942, logra a duras penas sobrevivir al empuje del bebop, y finalizada la "era del swing" resiste como puede. Llega la II Guerra Mundial y con ella el final de las bigbands. En 1955, Hollywood, realiza la película de su vida, "The Benny Goodman Story", con Steve Allen, en el papel de Benny. Como casi siempre, la película es bastante mediocre, pero el montaje musical es sobresaliente. Aupado por esta nueva bocanada de aire fresco, sale de gira por Europa, por Oriente Medio a cuenta del Departamento de Estado, quien le proporciona la frivolidad de dar un concierto de jazz en la misma Unión Soviética y en pleno auge de la guerra fría. Fue en Moscú en 1962.

Benny Goodman, murió el 13 de junio de 1986, a los setenta y siete años. Su vida hasta el último momento estuvo dedicada honestamente a la música de jazz.

PISTA 13 - BENNY GOODMAN - STOMPIN'AT THE SAVOY – 2:22
PISTA 14 – Django ReinHardt - Les Yeux Noirs – 2:16
PISTA 15 - Django ReinHardt - La Marseillaise – 2:44

Django Reinhardt, (1910-1943),  nació en Bélgica en el seno de una familia gitana y fue el primer músico de jazz europeo de aceptación universal, y también el más grande hasta ahora. Analfabeto, autodidacta, incapaz de escribir una sola nota o de leer una partitura, era también un hombre con poca disciplina para el estudio, jugador empedernido y juerguista a más no poder. Django Reinhardt, no obstante fue un músico extraordinario, lleno de inventiva y creatividad y supo adaptar la música que venía de América a sus habilidades con la guitarra, a pesar de que en una de ellas, le faltaban dos dedos, percance este ocurrido cuando durmiendo se declaró un pequeño incendio que lo tuvo hospitalizado más de un año y que facilitó su acercamiento al jazz. Uno de sus hermanos le llevó al hospital una guitarra y desde entonces cambió el banjo por ésta que ya no dejó hasta el final de sus días, teniendo que inventar una nueva técnica de digitación acorde a sus facultades físicas mermadas. Django Reinhardt, fue una referencia indiscutible e indispensable no solo para su generación sino para todos los guitarristas de jazz posteriores. 

Discutido siempre, y discutida su música, lo que es indudable, es que la guitarra de este "gitano de los dedos de oro" como se le conocía, tenia un swing irresistible y sus acordes eran de una lógica asombrosa y de una inventiva extraordinaria. Su música siempre terminaba en si misma y de una manera casi mágica, siempre coincidían el principio y el final de la exposición con las partes equivalentes de la audición creando así una especie de complicidad con quien la escuchaba.Django Reinhardt, además de un gran músico, tuvo la virtud - poco común en la historia del jazz- de liderar con destreza un grupo de músicos que dieron muchos días de gloria a esta música. En 1934, en compañía de su hermano, Joseph, fundó con ocasión de un concierto en Paris, el grupo que se encargaría de difundir el jazz por centroeuropa en los años previos a la II Guerra Mundial: el "Quintette Du Hot Club de France”. En 1936, apenas dos años después de la formación del quinteto, el grupo estaba perfectamente consolidado y en 1937 realizó sus primeras giras internacionales.

La II Guerra Mundial les sorprendió en Londres. Una desafortunada decisión hizó al grupo volver a Francia. Allí fueron sometidos al igual que el resto de la población francesa bajo el dominio nazi. Mientras el resto de sus hermanos de raza sufrió la persecución y los campos de concentración, Django Reinhardt, tuvo la suerte de ser el protegido de uno de los funcionarios de la administración nazi aficionado a su música. Paradójicamente, Django Reinhardt y su música fue, durante la ocupación nazi de Paris, uno de los símbolos culturales de la Resistencia. 

La fama de Django - que él en un exceso de fanfarronería alardeaba y engrandecía - llegó a oídos del mismísimo, Duke Ellington, y hasta los Estados Unidos viajó el guitarrista belga convencido de que su fama era mayor de lo que en realidad era. Django Reinhardt, dejó tras de sí una amplísima estela de seguidores incondicionales que lo consideran sin ninguna duda, el padre de todos los guitarristas de jazz europeos.

Django Reinhardt, falleció el 16 de mayo de 1953 en la localidad francesa de Fontainebleau cuando apenas tenía 43 años. Pero a Django lo mantienen vivo sus cerca de 300 grabaciones y una legión de seguidores de su estilo. Woody Allen le ha dedicado una de sus películas, ”Acordes y Desacuerdos” (1999).

Su hueco en la guitarra de jazz europea todavía está sin ocupar

PISTA 16 - DJANGO REINHARDT - MINOR SWING – 3:18
PISTA 17 - Billie Holiday - Strange Fruit – 2:47
PISTA 18 – Ella Fitzgerald & Louis Armstrong – Summertime – 4:57

Entre las voces femeninas del jazz, la de Billie Holiday (1915-1959), constituye un caso singular por lo azaroso de su vida contada por ella misma en su famosa autobiografía titulada: "Lady Sings The Blues". En ella, Billie Holiday relata cómo fue su vida desde la misma infancia: violación, prostitución, reformatorios, alcohol, drogas, racismo, cargos por tráfico de estupefacientes, cárcel, inhabilitación para cantar…

Su madre, Sadie Fagan, tenía sólo trece años cuando nació Billie; su padre Clarence Holiday, un guitarrista y bajista de jazz que tocó en la orquesta de Fletcher Henderson, tenía quince. Los padres de Billie nunca se casaron y él las abandonó cuando ella era todavía un bebé. Su madre, excesivamente joven para la responsabilidad, abandonaba con frecuencia a la niña con parientes de no muy buena reputación. Billie fue enviada a una escuela Católica a la edad de diez años, después de haber admitido ser violada. Aunque debería haber estado en la escuela hasta convertirse en adulta, un amigo de la familia la ayudó a escaparse dos años después. En 1927, madre e hija se marcharon primero a Nueva Jersey y después a Brooklyn. En Nueva York, además de ayudar a su madre en trabajos de ayuda doméstica, Billie empezó a ejercer la prostitución.

En 1930, recorriendo Harlem en busca de trabajo, entra en un pequeño club que se llamaba: "Pod's and Jerry's" situado en la Calle 133, ofreciéndose como bailarina. El resultado de la prueba es un desastre, pero a instancias del pianista se atreve a cantar. Cuando canta "Trav'lin All Alone", las conversaciones en el bar se paran y ahí empieza todo. En 1933, John Hammond, productor musical va a oírla cantar en el club "Log Cabin" y maravillado, habla con Benny Goodman quien el 27 de noviembre de aquel año le abre para toda la vida las puertas de un estudio de grabación.

Con Goodman, permanece poco tiempo y empieza a cantar en clubes más importantes. Actúa en el famoso "Apollo Theatre" y es contratada por Joe Glaser, el manager de Louis Armstrong. En 1935 aparece cantando con la orquesta de Duke Ellington en la película "Simphony in Black".  Junto a ella tocan los grandes solistas de la época, sobre todo, Lester Young, con quien alcanzaría una simbiosis creativa del que se encuentran pocos ejemplos en la historia del jazz.

Comparada con otras cantantes de jazz, Holiday tenía una tesitura limitada, de sólo una octava. Ella compensó esa dificultad con un sentido rítmico implacable, una sutil expresión, y una inmediatez emocional. Más tarde trabajó con estrellas como  Count Basie y Artie Shaw convirtiéndose en una de las cantantes negras de jazz de mayor reputación. Sin embargo tenía prohibido usar la entrada principal y debía esperar en un cuarto oscuro lejos del público antes de aparecer en escena.


Holiday fue aficionada a las drogas psicoactivas, usándolas durante casi toda su vida. Fumaba marihuana desde los doce o trece años de edad. Sin embargo fue la heroína la que la destruyó. No está claro quién fue el que introdujo a Holiday en las drogas, pero historiadores y fuentes contemporáneas coinciden en que comenzó su uso abusivo de intravenosas alrededor de 1940. Los éxitos de Holiday fueron estropeados por la creciente dependencia a las drogas y el alcohol así como las relaciones abusivas. Esto afectó a su voz como también sus posteriores grabaciones: su espíritu joven fue reemplazado por un matiz de remordimiento pero a pesar de todo, su impacto en otros artistas es indudable. Incluso después de su muerte influyó en cantantes tales como Janis Joplin y Nina Simone. 

Su vida personal fue tan turbulenta como las canciones que cantaba. Se casó con el trompetista Jimmy Monroe el 25 de agosto de 1941. El 28 de marzo de 1952, Billie se casó con Louis Mckay, un "Justiciero" de la mafia. Mckay, como muchos de los hombres de su vida, era violento pero trató de sacarla de las drogas. Holiday declaró abiertamente su bisexualidad. Ya estaban separados en el momento de su muerte.

La historia de su vida va cuesta abajo a partir de 1950. Cantó en Chicago con Miles Davis y se reencontró con Lester Young en Philadelphia. Fue arrestada por posesión de heroína y estuvo ocho meses en prisión. Su tarjeta para trabajar en los clubs de New York (la New York city cabaret card) fue revocada, lo que imposibilitó que trabajara en clubes durante los últimos doce años de su vida. Posteriormente fue víctima de una estafa sobre sus ganancias y murió con tan solo $0.70 en el banco y $750 en efectivo. Al final de mayo de 1959 fue hospitalizada por dolor en el hígado y problemas de corazón. Fue condenada a arresto domiciliario el 12 de julio por posesión de narcóticos; en 1959, la adicción a los narcóticos era considerada un crimen. Billie Holiday permaneció bajo la custodia policial hasta su muerte por cirrosis hepática el 17 de julio de 1959 a la edad de 44 años. Su muerte pareció una cruel burla del destino; moribunda e inconsciente en la cama del hospital, la policía intentó esposarla acusada de consumir heroína mientras agonizaba.

Billie Holiday fue enterrada en el cementerio Saint Raymond en el Bronx de Nueva York.  

PISTA 19 - BILLIE HOLIDAY – BLUE MOON – 3:32

 JAZZ II

PISTA 01 - DIZZY GILLESPIE - TIN TIN DEO – 3:32
PISTA 02 - CHARLIE PARKER - PARKER'S MOOD – 3:27
PISTA 03 - CHARLIE PARKER – ORNITHOLOGY – 4:52

A principios de la década de los cuarenta el jazz se estaba acomodando en un obsoleto circulo de música comercial propiciado por varios cientos de orquestas de baile, en las que el jazz brillaba por su ausencia. La era del swing, ese estilo de jazz inventado veinte años atrás, había sido exprimido hasta el límite de sus posibilidades y los grandes solistas de entonces sólo hacían repetir, eso sí con gran maestría, las mismas fórmulas musicales una y otra noche. Y eso a pesar del esfuerzo de músicos de swing empeñados en buscar algo más. Buscaban otro sonido, pero no lo encontraban. 

En Harlem (New York) corría el año 1940, y había un club en la calle 118 que se llamaba "Minton's Playhouse". Lo regentaba un hombre llamado, Teddy Hill que tuvo la feliz idea de abrir ese local todas las noches a horas en que los demás clubes de New York cerraban sus puertas y consiguió reunir noche tras noche a los músicos de jazz de la ciudad que se enfrascaban, liberados del corsé de las actuaciones de swing en sus respectivas bandas para ganarse la vida, en interminables y memorables "jam sessions". Allí germinó un sonido nuevo, un repertorio de temas disonantes con melodías llenas de saltos bruscos y que expresaban un concepto distinto de la estética melódica al uso. Nació el bebop.

Charlie Parker nació en el seno de una familia humilde en un barrio de Kansas City. Con 13 años ingresó en el "College Lincoln" donde se despertó en el el interés por la música. En la banda de alumnos del colegio, le pusieron a tocar la tuba, pero su madre -bendita madre- no lo consideró un instrumento adecuado para el y con sus ahorros le compró su primer saxo alto.
Aprendió el instrumento de forma autodidacta e intentando al principio imitar a los grandes saxofonistas de Kansas City, como Ben Webster y sobre todo, Lester Young. Era 1935, y con tan solo quince años tenía el carné de músico profesional del sindicato de músicos de Kansas; se acababa de casar con una compañera del colegio mayor que él; iba a ser padre y ya había probado todo tipo de estupefacientes. En 1938 se marcha a Chicago y de allí salta a New York. Sobrevive fregando platos en un restaurante donde Art Tatum, tocaba el piano y tras cuatro de años con el carné de músico y tras varias experiencias importantes, Charlie Parker entra en la banda del pianista, Jay McShann. En una de las estancias de la orquesta de McShann en el Savoy Ballroom de Harlem, se cruza por primera vez con quien seria su alter ego musical, el trompetista, Dizzy Gillespie. 

Cuando McShann, decidió regresar con la orquesta a Kansas City, Parker optó por quedarse en Nw York, y participar en la agitada vida musical de la ciudad. Sus jam sesión en el Minton's Playhouse, eran diarias. Por las que desfilarían futuros gigantes del jazz moderno: Art Blakey, Miles Davis... 

El bebop, estaba a punto de llegar. 

En 1945, Charlie Parker grabará junto a Dizzy Gillespie, una serie de discos que, para la historia, quedaran como los primeros verdaderos testimonios de esa nueva forma de jazz. La música contenida en las sesiones de Savoy (1944-1948) y Dial (1945-1947) son hoy indiscutibles clásicos del jazz. En Diciembre de aquel año, encabezando con Dizzy un sexteto estelar se marchó a California con un contrato para tocar en el club "Billy Berg's" de Los Ángeles y la experiencia fue un fracaso musical y económico. La adicción de Parker a la heroína es total y hay noches que no aparece por el club, lo que provoca que Dizzy Gillespie decidiera no tocar más con él. Cuando Gillespie regresa a New York, Parker se queda en Los Ángeles dada la relativa facilidad con que allí encontraba la heroína. Su cuerpo no resistió y tuvo que ser ingresado en el Hospital Psiquiátrico de Camarillo. 

Siete meses después, desintoxicado, pero nunca curado, regresa a New York e iniciará a partir de 1947 y durante cuatro años, la etapa mas brillante y creativa de su carrera. Charlie Parker, llevó el mensaje del bebop por los clubes mas importantes de New York, -incluyendo el que inauguraron en 1949, cerca d Broadway y que bautizaron "Birdland" en su honor- y de las principales ciudades del país. Firma un contrato con el sello Verve, tercera estación de paso obligatoria en su discográfica junto a las sesiones grabadas para Savoy y Dial. Empieza a llegarle los honores cuando las revistas especializadas: Down Beat y Metronome, lo eligen varias veces como "Numero Uno" en su instrumento. 1949, es el año de su primer viaje a Europa con ocasión del Primer Festival Internacional de Jazz de Paris.

Nuevas recaídas con la droga le avisan del estado de salud, y provocan que le sea retirado el carné para poder tocar en los locales de New York. Mantiene una relación amorosa y sentimental con Chan Richardson que le da un hijo y una hija. Es la muerte prematura de esta ultima en 1954 la que acelera su fin. Alterna sesiones musicales grandiosas con estados depresivos cada vez mas frecuentes, bebe como un cosaco y su conducta es cada vez mas caótica hasta el punto de que intenta suicidarse de nuevo. Su ultima aparición en Birdland, el 5 de marzo de 1955 será una autentica catástrofe. El día 9 sintiéndose mal se refugia en la casa de la Baronesa Pannonica de Koenigwarter donde falleció mientras miraba un show cómico en la TV. 

Charlie Parker, tenía 35 años y su muerte según, el parte médico del forense, era de un hombre que aparentaba 60 años. Fue producto de una combinación entre neumonía, ulcera de estomago, cirrosis e infarto posterior. Al día siguiente, apareció por todas las paredes de New York, y en los vagones de metro, graffitis e inscripciones que decían: "BIRD LIVES". Y tenían razón. Charlie Parker, el más extraordinario saxo alto y el mas grande improvisador de toda la historia del jazz, había, en poco mas de una década, cambiado con su música el curso de esa misma historia de forma imparable y las consecuencias de su gigantesca aportación sigue hoy tan válida como entonces.

PISTA 04 - BIRD & MILES - A NIGHT IN TUNISIA – 3:02

PISTA 05 - MILES DAVIS - SO WHAT – 9:25

A finales de los 40, todo el mundo quería ser como los grandes genios: un nuevo Louis Armstrong, un nuevo Charlie Parker… Miles Davis sabía que aquello era imposible. Buscaba algo distinto. Llegó a la conclusión de que si no podía tocar ni más rápido ni más fuerte, haría todo lo contrario. Tocaría más despacio, más suave; una música casi etérea. He ahí el nacimiento del Cool Jazz.

El Cool Jazz se aleja de la improvisación total y de los furiosos ritmos del bebop. Davis desarrolló un estilo más relajado y orquestal. Desnudó al jazz de sus raíces en el blues y lo empujó hacia un sonido que tenía mucho más en común con la música clásica europea. Los críticos dieron a esta música el nombre de cool, tomado de la expresión to be cool, es decir, calmado, imperturbable, que provenía del argot de los propios músicos.

Durante un breve periodo, el cool se hizo muy popular sobre todo entre una nueva generación de jóvenes blancos a uno y otro lado del Atlántico. El divorcio al que sometieron al jazz respecto de sus raíces negras llevó a que Miles Davis repudiara más tarde este estilo.

Miles Davis, creció en un acomodado barrio blanco del este de St. Louis, ciudad a la que se habían trasladado sus padres desde Alton en Illinois donde nació en 1926. Sus primeros admiradores también fueron músicos blancos. Seriamente interesado en la música, tomó clases de Elwood Buchanan, cuando aun no había cumplido los trece años. De este músico recibió su primer consejo que llevó a rajatabla durante toda su vida "..toca sin vibrato, ya temblaras cuando seas viejo". Ese fue el embrión de ese estilo liso y lírico, aparentemente frio pero emocionante hasta casi llorar.

En 1944 escuchó por primera vez a Charlie Parker y Dizzy Gillespie. Hizo amistad con él y "Bird" le aconsejó que se trasladase a New York. Una vez en la ciudad, Miles fue testigo directo de la cruenta batalla estilística entre lo viejo del jazz -el swing- y lo nuevo -el bebop-. Después de varias actuaciones a uno y otro lado de la Calle 52 con los creadores del nuevo sonido, estuvo capacitado para dar un paso crucial en su carrera.

En 1949, Miles germinó su primera obra capital en la historia del jazz. Junto al compositor Gil Evans y músicos de la talla de Gerry Mulligan y Lee Konitz entre otros, grabó "Birth Of The Cool". En aquélla época sufrió su primera detención por consumo de droga y en 1951 fichó por el sello "Prestige" para el que grabó años después cuatro formidables álbumes que figuran entre lo mejor de su discografía.

Precisamente la colaboración de Miles con Coltrane convenció a los jefes de la Columbia para que Miles firmara con ellos. En la arcas de Columbia, están algunas de las mejores grabaciones de Miles, entre ellas el obligatorio, "Kind Of Blue" grabado en 1959, las grabaciones en directo en el "Plugged Níkel" de 1965, el mil veces referenciado como el primer disco del jazz-rock de la historia titulado: "Bitches Brew" o el disco que inauguró la etapa eléctrica de Miles titulado "In a Silent Way" de 1969. En aquella época, a su alrededor se precipitaban los acontecimientos y en los años sesenta la psicodelia, y el rock llamaban con fuerza a la juventud de entonces y Miles no quiso apearse del autobús. Sus discos empezaron  tomar un sesgo cada vez ruidoso y en sus banda predominaban cada vez mas los bajos eléctricos y guitarras amplificadas y si bien eso le ayudó a aumentar su popularidad entre las nuevas generaciones, su creatividad disminuía notablemente.

Poco después de un concierto celebrado en Madrid en 1990 se le manifestaron los primeros síntomas de una enfermedad que le llevó a la muerte. Falleció en Santa Mónica el 28 de septiembre de 1991. Nadie como Miles Davis, ha hecho corresponder las edades artísticas de su desarrollo estilístico con las distintas etapas del jazz. Su juventud estuvo ceñida al bebop y al tórrido sonido del hardbop, luego aliviado por la brisa de la madurez, el cool jazz se apoderó de él y, por último, la tentación otoñal del jazz eléctrico recrudecido en su última fase le ocupó hasta que le sobrevino la muerte. Miles se llevó el secreto de su música y de su vitalidad.

PISTA 06 - MILES DAVIS - CONCIERTO DE ARANJUEZ (PART TWO) – 3:34

PISTA 07 - MONK & COLTRANE - BLUE MONK – 6:31

El camino iniciado a principios de los años cuarenta por el tándem Parker-Gillespie, creadores del bebop, fue tan sólido, que forzosamente tenía que arraigar en los músicos que vendrían después. La estela fue tan poderosa que el jazz de aquella época, enganchó a toda una pléyade de artistas, músicos y cantantes que hicieron del bebop su bandera y la enarbolaron con orgullo durante varias décadas más. El hardbop fue la respuesta  del mundo del jazz a ese estilo de música que rompía definitivamente con la era del swing y que situaba la música afro americana en un contexto político de rebeldía contra la marginación racista en los EE.UU. El hardbop, o bop duro, fue un movimiento poderoso, influyente y arraigado en la cultura negra. Sus músicos no tenían ningún remilgo en mostrar su rechazo a lo que ellos consideraban el amaneramiento del jazz a principios de los cincuenta sobre todo por parte de músicos blancos.

John Coltrane, era uno de esos pocos hombres, en arte o en otras cosas, que son capaces de hacer la revolución. Con su saxo se convirtió en uno de los creadores mas importantes de toda la historia del jazz.
Coltrane, había comenzado a tocar el saxo siendo aun adolescente y en 1943, su familia se trasladó a Philadelphia donde obtuvo una beca para estudiar música. A su regreso del servicio militar en Hawai, -donde formó parte de una banda de música- Coltrane descubre el bebop y en 1947 formará parte de la orquesta de Eddie "Cleanhead" Vinson, donde descubre las posibilidades del saxo tenor. En 1949 se incorpora como saxo alto a la gran orquesta de Dizzy Gillespie, allí permanece incluso cuando la banda se disuelve al año siguiente ya con el saxo tenor en sus labios. En septiembre de 1955 es cuando el saxofonista contacta con Miles Davis para formar parte de su quinteto junto al pianista, Red Garland, el contrabajista, Paul Chambers y el batería Philly Joe Jones.

Ese mismo año se casa con su primera esposa, Juanita Grubss (de nombre musulmán, Naima). Sus progresos se evidencian en el disco "Round Midnight" de septiembre de 1956 para Columbia en el quinteto de Miles. Su afición a las drogas se agudiza y Miles le despide de su grupo y el saxofonista aprovecha para trasladarse a Philadelphia con la intención de desintoxicarse de la heroína y el alcohol. En la primavera de aquel año, se incorpora al cuarteto de Thelonius Monk, que actuaba en el club Five Spot de New York. Vuelve con Miles Davis en 1958 y al año siguiente graban el inmortal álbum: "Kind of Blue".

 A partir de ahí, su carrera es meteórica y firma un contrato con el sello, Atlantic y deja dos discos inconmensurables: "Giant Steps" y "Coltrane Jazz". El primero se convierte por derecho propio en uno de los disco cumbres del Hardbop. Viaja por primera vez a Europa en 1960 donde es recibido multitudinariamente. A su regreso decide formar su propio grupo. El cambio a la música modal se inicia en octubre de 1960 cuando graba el tema: "My Favorite Things" e incorpora a su repertorio el saxo soprano, un instrumento que nadie lo había incorporado al jazz moderno. 

Durante este periodo incorpora a su música el interés por folklores ajenos  a la tradición europea: el flamenco (Olé Coltrane), la música  y ritmos africanos (Dahomey Dance, África) la música india (Aisha) etc. Un nuevo giro a su música en 1965 con un concepto mas radical es inaugurada con el disco "Ascensión" que señala su definitiva adscripción al movimiento "freejazz".

John Coltrane, cambia a sus músicos en función de su nuevo sonido y su enfermedad le obliga a ralentizar sus grabaciones siendo lo mas destacable en sus últimos años una actuación en el "Village Vanguard" y una gira por Japón. Las últimas grabaciones de 1967 - incluidas las aparecidas tras su muerte - dan la impresión  de que iban encaminadas en una dirección donde el protagonismo era la pureza del sonido pero su muerte en 1967 a consecuencia de una infección hepática le privó de alcanzar su sueño de visitar África.

PISTA 08 - JOHN COLTRANE - GIANT STEPS – 3:44

PISTA 09 - TITO PUENTE - TAKE FIVE – 6:02

En los años setenta, cuando daba la impresión de que el jazz -raquítico y enfermo- iba a disolverse en el movimiento azucarado y simplón que caracteriza a las músicas comerciales, al mismo tiempo que cada vez se hacía más notable la necesidad del reencuentro del jazz con las raíces populares, perdidas en los años anteriores con el freejazz por un exceso de elitismo. Ahí, en ese momento histórico, nació el Jazz Fusion.

Con el paso del tiempo ha quedado claro que las fusiones no constituyen la corriente principal del jazz de los últimos lustros; más bien al contrario. La fusión en el jazz, consiste en realidad en un punto sin retorno originador de otros estilos musicales, como muy bien se ocuparon de demostrar antes que nadie sus primeros y antiguos abanderados (Herbie Hancock, Chick Corea entre otros). Si alguien lo duda, ahí está para corroborarlo la fusión de mediados de los años cuarenta cuando músicos de formación jazzistica como Louis Jordan, Ray Charles o Bill Doggett, se fueron inclinando hacia el rhythm and blues, el soul, el rock and Roll u otras formas de música popular menos intrincadas que el jazz.

El jazz ha seguido a pesar de los múltiples movimientos hacia otras músicas: en los cuarenta con la música cubana; a finales de los cincuenta con el rhythm and blues y el soul; en los sesenta con la música brasileña que dio lugar a la bossa nova, y en los setenta con el jazz rock que nace con el disco de Miles Davis: "In a Silent Way" Así que el Jazz, aunque conserva abundantes indicadores de dichas fusiones, continua evolucionando dentro de su propio marco y conservando sus propias y sólidas señas de identidad

Herbie Hancock, nació el 12 de abril de 1940 en Chicago. Cursó estudios en el Grinnell College y en la Universidad de Roosevelt. Con siete años empezó a tocar el piano y a los once ofreció un concierto de Wolfgang Amadeus Mozart, con la Orquesta Sinfónica de Chicago para jóvenes intérpretes. Su interés por el jazz se despertó al escuchar discos de Oscar Peterson. En 1962 firmó su primer contrato grabando para Blue Note. Los productores del sello al oírlo tocar le permitieron grabar con total libertad y el pianista les respondió con el disco "Takin' Off" que incluía su primera gran composición titulada "Watermelon Man".

Durante una temporada y de forma independiente estuvo con el quinteto de Eric Dolphy (1962-1963) y en 1963 se unió al quinteto de Miles Davis. Estuvo con el trompetista hasta 1968 y se convirtió sin lugar a dudas en el soporte musical principal de Davis. Paralelamente a la formación con Davis, Herbie Hancock grabó una serie de magníficos álbumes para Blue Note, siendo el más destacado de ellos el titulado "Maiden Voyage", toda una obra maestra del piano de jazz. Combinó diversas técnicas electrónicas con la acústica del piano creando el estilo jazz-fusión con su propia banda a comienzos de los setenta. El álbum resultante de toda esa música fue el titulado "Headhunters" que se convirtió en el álbum de fusión más vendido de todos los tiempos hasta su publicación. 

Hancock, mezcló estilos y recursos como el pop, el hard-rock, la música disco sintetizada, técnicas de doblaje musical y edición de mezclas. Tuvo la idea de reunir a todos los músicos que habían estado con Miles Davis y formó una banda llamada: "VSOP" con notable éxito de crítica y público. Durante los años ochenta descubrió la música scratch, basada en un efecto rítmico original del rap, y junto a su nuevo grupo, la Rockit Band, exploró los ritmos de la música urbana contemporánea. Su single "Rockit" fue número uno en las listas de éxitos y ganó un Grammy a la mejor grabación instrumental. Hancock logró un Oscar por la Academia de Hollywood (1987) por la Banda Sonora original de la película: "Round Midnight" (Alrededor de la medianoche) del director francés, Bertrand Tavernier dirigida en 1986.

PISTA 10 - HERBIE HANCOCK - WATERMELON MAN – 7:09